Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana.

Muchos son los artistas que trabajan y han trabajado con la temática de la comida: sobre la comida, con comida, etc.

El ejemplo más conocido y evidente es Arcimboldo, es un pintor muy original del Renacimiento, un genio que con sus extraños retratos formados por elementos tales como frutas, animales u objetos. Él parece anticipar extrañamente otras vanguardias del siglo XX.

El pintor representó posibles rostros de las estaciones mediante los elementos típicos de cada una de ellas: el rostro de la primavera está formado por flores; el verano tiene rostro de frutos y cuerpo de trigo; el otoño es un curioso compendio de hojas caídas, setas, y frutos de cosecha; y en el rostro del invierno se intermezclan elementos claramente secos y fríos.

# Y si nos convertimos en “Arcimboldos” y construimos nosotros también otros rostros de las estaciones!!

Arcimboldo pintaba con pincel sobre lienzo, pero Vik Muniz utiliza directamente ingredientes de la comida para preparar sus cuadros: azúcar, salsa de chocolate, mermelada, pasta, etc. Muniz dibuja con estos “materiales” y luego fotografía su obra, inmortalizando la efimeridad intrínseca en la comida.

“Valentina, the Fastest”, hecha con azúcar, forma parte de la serie Sugar Children, de 1996, que muestra chicos cuyos padres trabajaban en plantaciones de azúcar.

La “Medusa Marinara”, de 1998, es una versión de la Medusa de Caravaggio (1598) realizada con tomate y espaguetis!

“Frankenstein”, de 2004, está hecho con caviar.

Mirad, Sam Taylor Wood hizo un “bodegón” vivo, no “naturaleza muerta”.

Flora era la mejor pintora de flores del mundo. Pintaba flores en cada estación, a cada hora del día y en cada país que visitaba. Viajaba para conocer distintos tipos de flores y así poder retratarlos. Pero sólo exponía sus cuadros durante un tiempo, después desaparecían y nadie sabe dónde se encontraban. Ella, como excusa a esta misteriosa situación, respondía: “Los cuadros, como las flores, se marchitan con el tiempo.” Era tan certero su dibujo que la gente se acercaba a sus cuadros y no daba crédito a tanto realismo. Era tanta su precisión en el trazo, tan perfecta la elección de sus colores, que la gente creía estar contemplando flores reales. “Si es que parece tener tres dimensiones, ese ramillete de lilas”, decían algunos visitantes de sus exposiciones. “Esas rosas huelen como si estuviesen en el rosal”, decían otros. Y Flora sonreía satisfecha porque toda su vida sólo había querido pintar flores. Hasta que un día dejó de sonreír.

El pintor del instante tenía su estudio ubicado en un vagón, ya que quería captar la esencia de la realidad y pensaba que la mejor manera de hacerlo era atrapando el paisaje fugaz que se ve desde la ventanilla del tren. Y por eso colocaba su caballete frente a la ventana. Y, en la ventana, el paisaje pasaba a gran velocidad y por eso era conocido como el pincel más rápido de toda Europa. Apenas se veía su mano, sólo una estela en perpetuo movimiento. Era todo un espectáculo observarlo. Pintaba y pintaba sin descanso para captar el oro oculto del instante. “Ahí está el secreto de nuestra vida”, decía.

Robert Richardson era sonámbulo desde niño y ése fue siempre el motor de todo su arte. De hecho, toda la producción artística de este olvidado pintor fue realizada en sus episodios de sonambulismo. Confesaba ser incapaz de pintar un solo cuadro estando despierto. Es curioso comprobar lo que decía Arthur Barrie, pintor y uno de sus íntimos amigos: “El propio Richard me contó cómo él mismo se quedaba deslumbrado al despertar y ver todas esas telas desordenadas en su estudio. No podía creer que él hubiese pintado aquellas revelaciones, ya que se sentía totalmente incapaz de afrontar los laberintos del arte durante la vigilia.”

Algunos dicen que es un idiota y otros que es un genio, pero sin lugar a dudas es uno de los grandes acontecimientos de la exposición. Y es que el pintor de autorretratos se muestra junto a su obra y todo el mundo se pregunta por qué. Los críticos opinan que al artista no le basta con que los visitantes vean su autorretrato y quiere que el espectador compruebe la veracidad de sus gestos y la fidelidad de sus trazos. Esa explicación suena convincente, pero la que se ajusta a la realidad es otra. El pintor pintó esa obra cuando apenas contaba quince años y no los cuarenta que tiene ahora. En toda su vida lo único que ha hecho es intentar parecerse a su autorretrato. Cada día de su existencia era un paso para encajar en el molde de esa pintura.